Raphel & Caine

Der amerikanische Dirigent André Raphel ist für seine kreative Programmgestaltung, seine stilistische Vielseitigkeit und seine dynamische Bühnenpräsenz bekannt.

Der Musiker ist Ehrendirigent des Wheeling Symphony Orchestra, das er 15 Jahre lang als Musikdirektor leitete. Zudem war er als Assistenzdirigent beim New York Philharmonic unter Kurt Masur, beim Philadelphia und beim St Louis Symphony Orchestra tätig.

Raphel ist mit den meisten großen amerikanischen Spitzenorchestern wie dem Boston und dem Chicago Symphony Orchestra, dem Cleveland und Philadelphia Orchestra sowie dem New York Philharmonic aufgetreten und dirigierte zahlreiche weitere Klangkörper seines Heimatlandes. Sein Europadebüt feierte der Musiker bei der Neubrandenburger Philharmonie. Raphel leitete die Bamberger Symphoniker bei zwei Aufnahmen für den Bayerischen Rundfunk und musizierte außerdem im Rahmen seiner internationalen Gastdirigate mit der Auckland Philharmonia, dem National Symphony Orchestra of Colombia und dem Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica. Der Künstler hat Uraufführungen und Auftragswerke von Komponist:innen wie Richard Danielpour, Jennifer Higdon, Uri Caine und Hannibal Lokumbe dirigiert.

Raphels gesellschaftliches Engagement und sein Einsatz für Bildung zeigen sich in seiner Tätigkeit für bedeutende Konservatorien und Ausbildungsprogramme wie das Summer Music Institute des Kennedy Centers und das National Orchestral Institute sowie seiner Arbeit mit dem Juilliard Orchestra und der New World Symphony.

Der als André Raphel Smith in Durham geborene Musiker erwarb seinen Bachelor of Music an der University of Miami und studierte später an der Yale University, wo er seinen Master-Abschluss absolvierte und ein Dirigierstudium aufnahm. Er setzte seine Studien am Curtis Institute of Music, wo er ein Diplom in Dirigieren erwarb, und an der Juilliard School fort.

Raphel hat zahlreiche Preise wie den Distinguished Alumnus Award der University of Miami und den Distinguished Service Award der Yale University erhalten. Der Künstler ist Träger der Ehrendoktorwürde der West Liberty University und wurde vom Senat von North Carolina mit dem ›Order of the Long Leaf Pine‹ ausgezeichnet.

Uri Caine wurde in Philadelphia geboren und begann bereits als Teenager, Klavier bei Bernard Peiffer und Komposition bei George Rochberg zu studieren. Er spielte in Bands unter der Leitung von Musikern wie Philly Joe Jones, Hank Mobley, Johnny Coles, Bootsie Barnes, Bobby Durham und Grover Washington. Caine besuchte die University of Pennsylvania und studierte Komposition bei George Rochberg und George Crumb.

Seit seinem Umzug nach New York im Jahr 1985 hat Caine als musikalischer Leader 33 Alben aufgenommen. Zwischen 2015 und 2017 veröffentlichte er die Einspielungen ›Callithump‹ mit seinen Solo-Klavierkompositionen, ›Calibrated Thickness‹ mit seinem Klaviertrio und ›Space Kiss‹ mit dem Lutosławski Quartet. Zu den Projekten, die Caine mit seinem Ensemble aufgenommen hat, gehören Bearbeitungen von Werken Mahlers, Wagners, Mozarts, Verdis, Schumanns sowie von Bachs ›Goldberg-Variationen‹. Für das beim Plattenlabel Winter & Winter veröffentlichte Album ›The Othello Syndrome‹ wurde der Musiker 2009 für einen Grammy nominiert.

Zu Caines jüngeren Kompositionen gehören ›Agent Orange‹, ›4 Wunderhorn Songs‹ und das für das Philadelphia Orchestra geschriebene Oratorium ›The Passion of Octavius Catto‹. Der Komponist erhielt außerdem Aufträge u. a. von der Volksoper Wien, dem Concerto Köln, dem Arditti Quartett und dem Beaux Arts Trio. Seine Version der ›Diabelli-Variationen‹ hat Caine u. a. mit dem Cleveland Orchestra und dem Swedish Chamber Orchestra aufgeführt. Caine war Direktor der Biennale von Venedig im Jahr 2003.

In den letzten Jahren hat Caine in Gruppen unter der Leitung von u. a. Don Byron, John Zorn und Buddy DeFranco sowie mit der Woody Herman Band gearbeitet. Er erhielt Stipendien vom National Endowment for the Arts, der Pew Foundation und den USA Artist Fellowships. Zu den zahlreichen Festivals, bei denen Uri Caine aufgetreten ist, gehören die North Sea, Monterey und Montreal Jazz Festivals sowie, im Bereich der Klassik, die Salzburger Festspiele, das Holland Festival und die Reihe Great Performers at Lincoln Center.

Mike Boone wurde in New York geboren und begann im Alter von acht Jahren mit dem Klavierunterricht. Anschließend besuchte er in seiner Heimatstadt die High School of Music & Art, wo er mit dem Studium des klassischen Kontrabasses begann. Danach besuchte Mike die Eastman School of Music im Bundesstaat New York und studierte bei Oscar Zimmerman und James VanDemark.

In seinem ersten Studienjahr ging der Musiker mit dem Sänger und Tänzer Ben Vereen auf Tournee und kehrte 1979 für seinen Abschluss an die Eastman School zurück. 1982 begab sich der Musiker mit der Buddy Rich Big Band auf Konzertreise, 1983 ging er nach Philadelphia, wo er eine Zusammenarbeit mit dem Trompeter Jeff Tyzik begann und mehrere Alben aufnahm. 1986 ließ sich der Bassist dauerhaft in Philadelphia nieder und spielte mit Größen wie dem Saxophonisten Tony Williams, der Pianistin Trudy Pitts, dem Trompeter John Swana und den Pianist:innen Shirley Scott, Eddie Green und Uri Caine. 1994 wurde Boone für die berühmten Sessions im Jazzhaus Ortliebs’ engagiert, wo er bis zum Verkauf des Hauses über 16 Jahre lang im Trio mit dem Pianisten Sid Simmons und dem Schlagzeuger Byron Landham wöchentlich zu hören war.

Boone veröffentlichte 1994 beim Label Dreambox mit John Swana die CD ›Better Late Than Never‹ und 1998 das Album ›Old Heads‹. 1998 begann er außerdem, an der Cheyney University of Pennsylvania zu unterrichten.

Im Jahr 2000 koproduzierte der Musiker ein Doppelalbum mit namhaften Jazzmusikern aus Philadelphia und produzierte eine Reihe von Film-Interviews mit Orrin Evans, Darryl Hall, Rob Landham, Alison Crockett und Rodney Green. Von 2003 bis 2010 unterrichtete der Künstler Schüler der Mittel- und Oberstufe im Bass- und Ensemble-Spiel beim Sommerprogramm des Kimmel Center for the Performing Arts. Im Jahr 2005 trat er der Temple University in Philadelphia als außerordentlicher Professor für Jazz im Fach Bass bei, wo er bis heute tätig ist.

Boones Kompositionen sind auf neun selbstproduzierten CDs und weiteren Alben mit Künstler:innen wie dem Geiger John Blake, dem Gitarristen Pete Smyser, John »Papa« DeFrancesco, dem Schlagzeuger Marlon Simon und den Landham Brothers zu hören.

Clarence Penn ist als hochqualifizierter Jazz-Schlagzeuger, für seine authentische und lange nachwirkende Musik und für seine Vielseitigkeit als Komponist, Produzent und Pädagoge bekannt.

Seit Beginn seines Wirkens in New York City im Jahr 1991 hat Penn mit so wichtigen Künstler:innen wie Ellis und Wynton Marsalis, Maria Schneider, Betty Carter, Diane Reeves, Michael Brecker oder mit dem Jazzquartett Fourplay zusammengearbeitet. Zudem absolvierte er zahlreiche Tourneen auf der ganzen Welt.

Penn kann auf eine umfangreiche Diskografie mit einer Vielzahl von Studioalben zurückblicken. Für seine Aufnahmen wurde der Künstler, der sein erfolgreiches Debütalbum ›Penn’s Landing‹ 1997 veröffentlichte, mit dem Juno-Award und zwei Grammys ausgezeichnet. Zu Penns Einspielungen der jüngsten Zeit gehört ›Monk: The lost Files‹ mit Arrangements der Musik von Thelonious Monk.

Darüber hinaus ist Clarence Penn als Produzent verschiedener Projekte und als Komponist für Werbespots und Filme hervorgetreten. Als Pädagoge hat der Musiker als Gastdozent gewirkt und an Institutionen wie der Carnegie Hall, dem Banff International Workshop in Jazz & Creative Music und dem Jazz at Lincoln Center unterrichtet.

Aktuell leitet Penn seine eigene Band und arbeitet an einem Projekt mit Songs, die von Schlagzeugern des Pop-Genres wie Phil Collins, Dave Grohl von den Foo Fighters und Levon Helm von The Mamas and the Papas geschrieben wurden.

Barbara Walker hat mit ihrer kraft- und klangvollen Stimme und ihrem leidenschaftlichen und dynamischen Auftreten zahlreiche Erfolge auf großen Bühnen gefeiert. Die aus West Philadelphia stammende Sängerin musizierte bereits als 16-jährige professionell mit ihrem Vater, dem Organisten Bill Walker.

In ihrer Karriere ist Walker im Film und im Theater aufgetreten und hat Aufnahmen mit lokalen und internationalen Künstler:innen und Musiker:innen realisiert. So arbeitete sie mit dem Rapper LL Cool J für das Label Island Def Jam Records zusammen. Mit dem Song ›Here Comes the Morning‹ in dem Kinofilm ›The Score‹ mit Robert DeNiro, Marlon Brando und Angela Bassett in den Hauptrollen gab die Künstlerin ihr Hollywood-Debüt.

Begeisterte Kritiken erhielt Barbara Walker für ihr Mitwirken an dem Bühnenstück ›Essentially Ellington‹, einer Hommage an Duke Ellington, die beim American Music Theater Festival gezeigt wurde.

Walker musizierte auf zahlreichen Tourneen mit so renommierten Musiker:innen wie Patti LaBelle, Gladys Knight, Herbie Hancock, Uri Caine, Diana Krall, Branford Marsalis, Al Jarreau, Chick Corea, Toots Thielemans, Céline Dion und Michael Bolton.

Der Bundesjugendchor (BJC) wurde 2021 durch den Deutschen Musikrat (DMR) zur Förderung des sängerischen Spitzennachwuchses mit einem Auftaktkonzert in der Philharmonie Berlin gegründet. Rund 50 exzellente junge Chorsänger:innen im Alter von 18 bis 26 Jahren erarbeiten in aufeinander folgenden Arbeitsphasen anspruchsvolle Konzertprogramme mit Werken von der Renaissance bis in die Gegenwart. Für die kontinuierliche gesangspädagogische Arbeit an einem homogenen, charakteristischen Klang des Bundesjugendchores ist Anne Kohler als künstlerische Leiterin verantwortlich. Weitere musikalische Impulse erhält der Bundesjugendchor durch Gastdirigent:innen und Kooperationen mit anderen professionellen Ensembles.

Seit dem Gründungskonzert hat der Chor bereits mit dem SWR Vokalensemble Stuttgart, dem DSO unter der Leitung von Robin Ticciati und dem Polnischen Nationalen Jugendchor konzertiert und ist auf Internationalen Musikfestivals aufgetreten. Zu letzteren gehören u. a. das Lausitz Festival, die Bachwoche Ansbach, der Heidelberger Frühling sowie das Internationale Kinder- und Jugendchorfestival in Hannover. Konzerte führten den Bundesjugendchor in die Philharmonie Berlin, die Elbphilharmonie Hamburg, in die Thomaskirche Leipzig, den Limburger Dom und nach Görlitz, Wrocław und Kraków.

Für den Herbst des Jahres 2024 wurde eine Konzertreise nach Schweden geplant, die eine Zusammenarbeit mit dem Eric Ericson Chamber Choir unter der Leitung von Cecilia Martin-Löf umfasst. Von den Komponist:innen Kathrin A. Denner, Jan Kopp, Roxanna Panufnik und  Elisabeth Fußeder wurden bereits fünf Werke extra für den Bundesjugendchor geschrieben.

Im März 2024 erschien im Carus-Verlag ›Waldeslust‹, die Debüt-CD des Ensembles unter der Leitung von Anne Kohler.

Der Bundesjugendchor wird aus Mitteln des Bundesministeriums für Familie, Senioren, Frauen und Jugend (BMFSFJ) gefördert.

A Song For You ist ein bahnbrechendes Berliner Vokalensemble unter der Leitung von Noah Slee und Dhanesh Jayaselan, das Pionierarbeit für eine neue Vision der Chormusik leistet. Über 50 Künstler:innen aus der ganzen Welt sind in dem Kollektiv vereint. Es entzieht sich jeglicher Kategorisierung und bewegt sich in einer Klangwelt zwischen Neo-Soul, R&B und Gospel. A Song For You zelebriert die reiche Vielfalt der Berliner Musiklandschaft und bietet gleichzeitig eine kritische Plattform für unterrepräsentierte Stimmen.

In den letzten zwei Jahren hat das Ensemble die Aufmerksamkeit der Berliner Kunstszene auf sich gezogen, vor allem mit seinem Debütkonzert 2022 in der Volksbühne – obwohl nur durch Mundpropaganda bekannt, war das Konzert binnen kürzester Zeit ausverkauft.

Die dynamischen Auftritte und erfrischende Freude am Chorgesang haben auch zu kreativen Kooperationen mit Marken wie Levis und Carhartt geführt. Carhartt förderte einen Dokumentarfilm über die Entstehung des Ensembles und den Aufnahmeprozess des Debütalbums ›Home‹ in den Limusic Studios in Limoux, Frankreich, und den Brewery Studios in Berlin, Deutschland.

In Zusammenarbeit mit dem renommierten Berliner Produzenten S. Fidelity entstanden auf ›Home‹ fesselnde Kollaborationen mit Künstler:innen wie Theo Croker, Annahstasia, Moses Yoofee, Madison McFerrin, duendita, Brother Portrait, Jumoke Adeyanju und vielen mehr; sowie mit einer Vielzahl von Künstler:innen innerhalb des Ensembles wie Noah Slee, Aka Kelzz, Johnny Kulo, MERON, zoudè, Nando The Native, Monica Mussungo, D.$ahin und Lyriya.

Auf Album ›Home‹ entfaltet A Song For You seine Präsenz durch den Begriff »Raum«: Physisch gesehen verflechten sich die unterschiedlichen Herkünfte und Stimmen der Sänger:innen und schaffen einen kulturellen Raum, in dem jede:r Einzelne dem Kollektiv eine einzigartige Ebene hinzufügt. Spirituell bietet die Musik einen Raum, in dem Gefühle und Emotionen frei erforscht und verarbeitet werden können. Harmonisch gehen die Stimmen nahtlos ineinander über und bilden einen musikalischen Raum, in dem Unterschiede zu einer wunderschönen Einheit verschmelzen.

A Song For You schlägt weiterhin Wellen mit fesselnden Auftritten und mit dem Engagement für unterrepräsentierte Stimmen und für BIPoC-Erzählungen. Berlin und die ganze Welt können gespannt darauf sein, wie die Reise von A Song For You weitergeht.

Seit 1946 strahlt das DSO über die Grenzen Deutschlands hinaus in die Welt. Namhafte Chefdirigenten prägten seine Geschichte: Ferenc Fricsay, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, Vladimir Ashkenazy, Kent Nagano, Ingo Metzmacher und Tugan Sokhiev standen an seiner Spitze. Die langjährige Verbundenheit mit hochkarätigen Gastdirigenten wie Herbert Blomstedt, Christoph Eschenbach, Ton Koopman, Sir Roger Norrington, Sakari Oramo, Leonard Slatkin oder David Zinman trägt ebenso wie die regelmäßige Zusammenarbeit mit seinem heutigen Ehrendirigenten Kent Nagano und den ehemaligen Chefdirigenten zum Renommee des Orchesters bei.

Aufbruch
Ein neues Kapitel in der Geschichte des DSO wird am 26. September 2017 aufgeschlagen: Robin Ticciati dirigiert sein Antrittskonzert als Künstlerischer Leiter. In der Berliner Philharmonie präsentiert sich der neue Chefdirigent in seinen Konzerten der Saison 2017 | 2018 mit einem weiten musikalischen Horizont von der Renaissance bis zur Gegenwart, von der Kammermusik bis zum szenisch eingerichteten Oratorium → S. 30 f. Bereits vor seinem offiziellem Amtsantritt macht der 34-jährige Engländer mit der Leitung eines ›Symphonic Mob‹ seinen Anspruch deutlich, alle Menschen zur Teilhabe am musikalischen Geschehen der reichen Berliner Kulturlandschaft einzuladen. Vor diesem
Hintergrund begibt er sich mit dem Orchester kurz darauf auch ins ›Kraftwerk Berlin‹, um eine Synthese mit der Elektronikszene einzugehen und neue Klangräume zu erkunden.

Am Puls der Zeit
Als »orchestralen Think Tank« hat die Süddeutsche Zeitung einst das DSO unter den hauptstädtischen Klangkörpern hervorgehoben, womit auf die beziehungsreiche Dramaturgie der Konzertprogramme, den Einsatz für die Musik der Gegenwart sowie auf stetige Repertoireentdeckungen angespielt wurde – und auf den Mut zu ungewöhnlichen Musikvermittlungsformen, der das Orchester bis heute auszeichnet. So holt das DSO durch das Konzertformat der moderierten Casual Concerts mit anschließender Lounge seit mittlerweile elf Jahren die Kunst näher an den Puls des modernen Lebens. Seit 2014 richtet es jährlich einen ›Symphonic Mob‹ aus und brachte damit zuletzt mehr als 1000 Musikenthusiasten mit Musikerinnen und Musikern aus den eigenen Reihen
zu einem gemeinsamen Auftritt unter Kent Nagano zusammen. Innovative Impulse setzte das Orchester außerdem mit zwei internationalen Remix-Wettbewerben und dem Konzertprojekt ›Ostinato‹, das 2016 neue symphonische Formen an der Schnittstelle zwischen Orchestermusik und Live-Elektronik vorstellte.

Tourneen und Gastspiele
Im Rahmen zahlreicher Gastspiele ist das DSO dauerhaft im internationalen Musikleben präsent. Konzertreisen führten es nach Russland, Asien, Nord- und Südamerika sowie in den Libanon. In Kooperation mit der Deutschen Welle und dem Auswärtigen Amt gastierte das Orchester in den letzten Jahren in Brasilien und Argentinien, in Japan, China, Malaysia, Abu-Dhabi und in Osteuropa. Neben Auftritten bei nationalen und internationalen Festspielen wie dem Rheingau Musik Festival, dem Edinburgh International Festival, den Salzburger Festspielen, den BBC Proms und dem Beethovenfest Bonn ist das DSO regelmäßig in den großen Konzertsälen Europas zu erleben. In der aktuellen Saison stehen Gastspiele mit Robin Ticciati und Kent Nagano u. a. in der Alten Oper Frankfurt, der Hamburger Elbphilharmonie und in der Münchner Philharmonie auf dem Programm.

Mediale Präsenz
Die Symphoniekonzerte des DSO in der Berliner Philharmonie werden von Deutschlandfunk Kultur, von Deutschlandfunk und vom Kulturradio des rbb aufgezeichnet und in Deutschland sowie über die European Broadcasting Union auch europaweit und darüber hinaus gesendet. Für Liveübertragungen und spätere TV-Ausstrahlungen intensiviert sich seit 2013 eine Zusammenarbeit mit ARTE Concert und dem rbb-Fernsehen. Etliche Opernmitschnitte aus dem Festspielhaus Baden-Baden und von den Salzburger Festspielen sind als DVD bei Arthaus Musik erhältlich. Auch mit zahlreichen ausgezeichneten CD-Einspielungen ist das DSO weltweit präsent. 2011 erhielt es für die Erstaufnahme von Kaija Saariahos Oper ›L’amour de loin‹ unter Naganos Leitung den Grammy Award. In den vergangenen Jahren erschienen u. a. bei Sony Classical drei von der Fachpresse hochgelobte Einspielungen des Prokofjew-Zyklus mit Tugan Sokhiev. Mit Werken von Debussy und Fauré legen das DSO und Robin Ticciati
im September 2017 bei Linn Records ihre erste gemeinsame CD vor.

Geschichte
Der Blick zurück in die Geschichte des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin fördert gleich drei Namen ein und desselben Klangkörpers zutage. Gegründet wurde es als RIAS-Symphonie-Orchester vom Rundfunk im amerikanischen Sektor (RIAS). Musik des 20. Jahrhunderts bildete in der Programmgestaltung von  Anfang an eine feste Größe neben den Interpretationen des klassischen Repertoires, die sich durch Transparenz, strukturelle Prägnanz und Plastizität auszeichneten. Als sich 1956 der Sender Freies Berlin (heute Rundfunk Berlin-Brandenburg, rbb) an der Trägerschaft des Orchesters beteiligte, nannte es sich fortan Radio-Symphonie-Orchester Berlin (RSO). Seit 1993 führt es seinen heutigen Namen und gehört seit dem darauffolgenden Jahr zur Rundfunk Orchester und Chöre GmbH (roc berlin), die von Deutschlandradio (40 %), der Bundesrepublik Deutschland (35 %), dem Land Berlin (20 %) und dem Rundfunk Berlin-Brandenburg (5 %) getragen wird.