›Schöne Töne Live‹

Der Dirigent, Komponist und Musiker Stefan Malzew, geboren 1964, studierte an der Hochschule für Musik ›Hanns Eisler‹ in Berlin. Zwischen 2001 und 2015 war er Generalmusikdirektor der Neubrandenburger Philharmonie, zuvor Chefdirigent am Gießener Theater sowie Kapellmeister am Mecklenburgischen Staatstheater Schwerin. In dieser Zeit kam dort u. a. seine erste Oper ›Das Opernpupp‹ zur Uraufführung. Gastspiele und Tourneen führten ihn ins In- und Ausland.

Besondere Beachtung fanden immer wieder von ihm ins Leben gerufene Projekte mit genreübergreifender Ausrichtung und überregionaler Ausstrahlung wie die Neubrandenburger Konzertnächte. Diese Reihe widmete sich im Laufe von 14 Jahren mit 50 Konzerten einer großen Themenvielfalt und verband klassische sinfonische Musik, Kammermusik, Jazz, Pop oder gar Technoklänge mit außermusikalischen Inhalten wie zum Beispiel Ritualen, Sport, Wissenschaft oder Natur. Eröffnet wurde die Reihe mit einer Gegenüberstellung aller neun Beethovensinfonien jeweils mit einer Aufführung auf historischen bzw. modernen Instrumenten am selben Abend.

Für außergewöhnliche Formate der Musikvermittlung gewann Stefan Malzew den Deutschen Webvideopreis, den Junge Ohren Preis und erhielt eine Grimme Online Award-Nominierung. Die CD-Einspielung ›Paris Days – Berlin Nights‹ seiner Arrangements mit Ute Lemper und dem Vogler Quartett erhielt 2013 eine Grammy-Nominierung.

Stefan Malzews Kompositionen umfassen mehrere Konzerte für Jazz-Quartett und Orchester, zwei Opern, Kammermusik sowie die Musik zu zwei Kinderbüchern, die Geschichten der Autorin Heidi Leenen vertonen.

Seit 2022 leitet er die neugegründete Eventsparte eines deutschen Medienunternehmens.

Sven Helbig ist ein deutscher Komponist, Regisseur und Musikproduzent. Als Komponist für Orchester-, Chor- und Kammermusik verbindet er Elektronische Musik mit klassischen Instrumenten und Chören.

Schon als Kind begeisterte er sich durch seine selbstgebauten Radios, die Schallplatten seiner Eltern und die örtlichen Blaskapellen in seiner kleinen ostdeutschen Heimatstadt für die Musik. Elektronische Bastel-Arbeiten waren seine erste Leidenschaft und blieben ein wichtiges Element in der später entstandenen Orchester- und Chormusik des Künstlers. Helbig begann, auf der Gitarre zu musizieren, lernte Klarinette und wechselte später zu Schlagzeug und Klavier. Das hochgelobte Debütalbum ›Pocket Symphonies‹ des Autodidakten ist bei der Deutschen Grammophon erschienen.

Helbigs Werke wurden bereits von renommierten Künstler:innen und Ensembles wie den BBC Singers, dem Fauré Quartett, dem Cellisten Jan Vogler und dem Dirigenten Kristjan Järvi aufgeführt. Auf der Bühne tritt er an der Seite verschiedener Ensembles auch mit Live-Elektronik und als Schlagzeuger auf.

Darüber hinaus ist Helbig ein langjähriger Partner der Industrial-Metal-Band Rammstein und der britischen Pop-Ikonen-Gruppe Pet Shop Boys. Für letztere arrangierte er das Ballett ›The Most Incredible Thing‹ am Londoner Sadler’s Wells und ›A Man from the Future‹, das während der Londoner Proms in der Royal Albert Hall Premiere feierte.

Auf Radio1 moderiert der Künstler seine wöchentliche Radiosendung ›Schöne Töne‹, in der er sich der Musikgeschichte und zeitgenössischen Künstler:innen widmet.

Sven Helbig ist Träger des Kunstpreises der Stadt Dresden.

Die Harfenistin Julie Campiche zählt zu den innovativsten Jazz-Musikerinnen der Schweizer Gegenwart. Mit ihrem Instrument steht die 1983 geborene Genferin für ein einfühlsames und kraftvolles Spiel – und erschafft so eine ganz eigene Klangfarbe in der europäischen Jazzszene.

Nach dem Unterricht in klassischer Harfe am Konservatorium in Genf taucht Campiche als 20-Jährige mit dem im Jazz sonst selten gespielten Saiteninstrument in die Jazzwelt ein. Hier findet sie neue Freiheiten für ihren künstlerischen Ausdruck und den Gemeinschaftssinn, die ihre experimentierfreudigen und sozial engagierten Kompositionen auszeichnen.

Julie Campiche forscht unentwegt an ihrem musikalischen Ausdruck – mit einer sehr persönlichen Technik und dem Einsatz von elektronischen Effektgeräten. Als erste Harfenistin überhaupt erwarb Campiche einen Master in Komposition und Jazz-Performance an der Haute Ecole de Musique in Lausanne. Sie experimentiert als Solokünstlerin, leitet ein herausragendes Quartett und geht Theater-, Performance- und musikalische Kollaborationen ein: zuletzt etwa mit dem Barockorchester Capella Jenensis oder mit Erik Truffaz, dem Träger des Schweizer Grand Prix Musik 2023.

Mit ihrer Arbeit und zahllosen Konzerten – beispielsweise am Montreux Jazz Festival, in der Elbphilharmonie in Hamburg oder im Vortex Jazz Club in London – hat sich Campiche als impulsgebende Instrumentalistin und Komponistin in der europäischen Jazzszene etabliert. 

2025 wurde Julie Campiche mit dem Schweizer Musikpris ausgezeichnet. Anfang 2026 wird sie ihr erstes Solo-Album ›Julie Campiche Solo – UNSPOKEN‹ veröffentlichen.

Vanessa Porter zählt international zu einer der vielseitigsten Perkussionistinnen und wird für verschiedenste Projekte, Konzertformate und Programme angefragt. Als Solistin verbindet sie aktuelle Werke mit Improvisation, Elektronik und darstellender Kunst und arbeitet mit namhaften Komponisten wie Georges Aperghis, Zeynep Gedizlioglu, Francesca Verunelli oder Jennifer Walshe zusammen. Ob mit Stimme, Bodypercussion, Glocken oder Vibrafon: In ihrem aktuellen Programm ›folie à deux‹ gestaltet sie hypnotische Klanglandschaften zwischen zarter Schönheit und eruptiver Gewalt.

Sie war in der Saison 2022/23 ECHO-Rising Stars-Künstlerin und konzertierte in renommierten, europäischen Konzertsälen: Concertgebouw Amsterdam, NOSPR Katowice, Musikverein Wien, Müpa – Palace of Arts Budapest, Elbphilharmonie Hamburg, The Sage Gateshead, LSO St. Luke’s London, Birmingham Symphony Hall, Konzerthaus Dortmund, Festspielhaus Baden-Baden, L’Auditori Barcelona, Megaron Athen, Calouste Gulbenkian Foundation Lissabon, Philharmonie Luxembourg, Philharmonie de Paris, Casa da Música Porto, BOZAR Brüssel, De Bijloke Gent und Tonhalle Zürich.

Beim Bodenseefestival 2023 brachte sie ihr Programm DIS:JUNCTION zur Premiere. 2024 gab sie ihr erfolgreiches Debüt beim Deutschen Symphonieorchester Berlin mit Ferran Cruixents Schlagzeugkonzert ›Focs d’artifici‹ in der Philharmonie Berlin in der Reihe Deutschlandfunk-Debüt. Sie brachte Francesca Verunellis ›From scratch‹ mit dem WDR Sinfonieorchester bei den Wittener Tagen für Neue Kammermusik 2024 erfolgreich zur Uraufführung sowie erneut 2025 mit dem RSO Wien unter der Leitung von Bas Wiegers in der Elbphilharmonie Hamburg.

In der Saison 2025/26 ist Vanessa Porter beim Beethovenfest Bonn, an der Alten Oper Frankfurt, bei BASF Ludwigshafen, den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern sowie beim Rheingau Musik Festival zu Gast. Gemeinsam mit der Staatskapelle Halle unter der Leitung von Fabrice Bollon spielt sie Rebecca Saunders ›Void‹ für Percussion Duo und Orchester mit Emil Kuyumcuyan. Außerdem steht die Uraufführung von Samir Odeh-Tamimis Solo-Werk Éndropía im Rahmen des ECLAT Festivals Stuttgart 2026 an.

Sie gastiert bei Festivals wie dem Schleswig-Holstein Musik Festival, dem Ultraschall Festival Berlin, den Wittener Tagen für Neue Kammermusik, den Kasseler Musiktagen, ECLAT Stuttgart, dem Heidelberger Frühling, dem Podium Festival Esslingen, dem Osterfestival Tirol, der Schlossmediale Weingarten und Eclats Concerts Fribourg. Durch ihre enge Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut gab sie regelmäßig Workshops und Konzerte in den USA und war mit dem Percussion Duo Porter auf einer 4-wöchigen Südamerika-Tournee in Peru, Kolumbien, Brasilien und Costa Rica.

Durch ihre jahrelange Erfahrung im Education Bereich arbeitet sie mit verschiedenen Hochschulen und Akademien zusammen, wie der International Summer Academy of Music und hielt im Rahmen der WorldPercussionGroup Workshops u.a. an der Sibelius Academy Helsinki oder der University of Birmingham. Von 2017-2018 unterrichtete sie an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart im Nebenfach Schlagwerk. Seit dem Wintersemester 2024/25 ist sie Professorin für Schlagwerk an der Hochschule für Musik Karlsruhe.

Vanessa Porter ist 1. Preisträgerin des August-Everding Musikwettbewerbs München, des International Percussion Competition Luxembourg, des Music Creative Award Lindau und des PercussiveArt Contest Italy, erhielt das Deutschlandstipendium und war Stipendiatin der Kunststiftung Baden-Württemberg und des Deutschen Musikwettbewerbs. 2022 sind ihre Soloalben ›cycle.sound.colour‹ und ›folie à deux‹ (Bhakti Records) mit Daniel Mudrack (Schlagzeug/Elektronik) erschienen.

Nach Studien am Royal College of Music in London (bei David Hockings) und der Musikhochschule in Lübeck (bei Johannes Fischer) schloss Vanessa Porter im Sommer 2018 ihr Master-Studium an der Musikhochschule Stuttgart (bei Marta Klimasara, Klaus Dreher und Jürgen Spitschka) mit Bestnote ab.

Emil Kuyumcuyan (kuːjuːmdʒuːjɑːn) ist ein in Istanbul geborener Schlagzeuger, Komponist und elektronischer Musiker mit kroatischen, griechischen, armenischen und afrikanischen Wurzeln. Er tourt international als Solist und kuratiert Konzertprogramme, die neue Auftragswerke, Repertoire und eigene Kompositionen zusammenführen.

Als vielseitiger Musiker erhielt Emil internationale Anerkennung. Er gewann den 1. Preis beim TROMP International Percussion Competition, einem der international führenden Wettbewerbe für Schlagzeug. Außerdem wurde er als Solist mit einem 1. Preis beim Stockholm International Music Competition ausgezeichnet. Mit seinem Trio erhielt er einen Ensemble-Preis beim International Percussion Competition Luxembourg.

Als Produzent und Komponist ist seine musikalische Stimme geprägt von zeitgenössischer Klassik, Jazz und anatolischen Traditionen – daraus entsteht eine eigene, expressive Performancesprache. 2019 entwickelte er seine erste audiovisuelle Arbeit ›ISTANBUL | the roots‹, inspiriert von seiner
Heimatstadt. Außerdem produziert er elektronische Musik, die IDM- und Drum-&-Bass-Einflüsse mit seinem klassischen Hintergrund verbindet.

Er erhielt Kompositionsaufträge u. a. von der Philharmonie Köln (KoelnMusik), Montforter Zwischentöne, der Kunststiftung Baden-Württemberg, dem IPEA Competition Shanghai, Trio Vis-à-vis und der World Marimba Competition Stuttgart. Seine Werke wurden u. a. in der Philharmonie Köln, bei den Festspielen Mecklenburg-Vorpommern und beim Schleswig-Holstein Musik Festival uraufgeführt.

Emil ist Mitglied von Les Percussions de Strasbourg und Trio K/D/M und gastiert regelmäßig bei führenden Ensembles wie Ensemble Intercontemporain, Ensemble Modern, Boulez Ensemble, Ensemble Ascolta, Orchestre National de France und Slagwerk Den Haag. Sein Repertoire reicht von J.S. Bach bis zu neuesten Werken lebender Komponist:innen, und er arbeitet eng mit Künstlern wie Ryoji Ikeda, Alexander Schubert, Adrien Trybucki, Bastien David und Martin Matalon zusammen.

Als engagierter Pädagoge gibt Emil Masterclasses, wirkt in Jurys internationaler Wettbewerbe mit und ist in akademischen Positionen tätig. Er ist Tutor am Royal Northern College of Music in Manchester und seit Oktober 2023 Professor für Schlagzeug an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt (HfMDK). 

Aufgewachsen in einer musikbegeisterten Familie in Istanbul, begann Emil mit 12 Jahren am Mimar Sinan Staatskonservatorium – zunächst an der Posaune, bevor er zum Schlagzeug fand. Später studierte er in Stuttgart und setzte seine Ausbildung in Frankreich am CNSMD Lyon fort. Emil wird von Kolberg, Yamaha und Turkish Cymbals unterstützt. Abseits der Musik mag er Zeit mit Freund:innen und Familie, Kochen, Ramen, Sonne, Herbstspaziergänge, Paris, Linguistik und Lesen.

Seit 1946 strahlt das DSO über die Grenzen Deutschlands hinaus in die Welt. Namhafte Chefdirigenten prägten seine Geschichte: Ferenc Fricsay, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, Vladimir Ashkenazy, Kent Nagano, Ingo Metzmacher und Tugan Sokhiev standen an seiner Spitze. Die langjährige Verbundenheit mit hochkarätigen Gastdirigenten wie Herbert Blomstedt, Christoph Eschenbach, Ton Koopman, Sir Roger Norrington, Sakari Oramo, Leonard Slatkin oder David Zinman trägt ebenso wie die regelmäßige Zusammenarbeit mit seinem heutigen Ehrendirigenten Kent Nagano und den ehemaligen Chefdirigenten zum Renommee des Orchesters bei.

Aufbruch
Ein neues Kapitel in der Geschichte des DSO wird am 26. September 2017 aufgeschlagen: Robin Ticciati dirigiert sein Antrittskonzert als Künstlerischer Leiter. In der Berliner Philharmonie präsentiert sich der neue Chefdirigent in seinen Konzerten der Saison 2017 | 2018 mit einem weiten musikalischen Horizont von der Renaissance bis zur Gegenwart, von der Kammermusik bis zum szenisch eingerichteten Oratorium → S. 30 f. Bereits vor seinem offiziellem Amtsantritt macht der 34-jährige Engländer mit der Leitung eines ›Symphonic Mob‹ seinen Anspruch deutlich, alle Menschen zur Teilhabe am musikalischen Geschehen der reichen Berliner Kulturlandschaft einzuladen. Vor diesem
Hintergrund begibt er sich mit dem Orchester kurz darauf auch ins ›Kraftwerk Berlin‹, um eine Synthese mit der Elektronikszene einzugehen und neue Klangräume zu erkunden.

Am Puls der Zeit
Als »orchestralen Think Tank« hat die Süddeutsche Zeitung einst das DSO unter den hauptstädtischen Klangkörpern hervorgehoben, womit auf die beziehungsreiche Dramaturgie der Konzertprogramme, den Einsatz für die Musik der Gegenwart sowie auf stetige Repertoireentdeckungen angespielt wurde – und auf den Mut zu ungewöhnlichen Musikvermittlungsformen, der das Orchester bis heute auszeichnet. So holt das DSO durch das Konzertformat der moderierten Casual Concerts mit anschließender Lounge seit mittlerweile elf Jahren die Kunst näher an den Puls des modernen Lebens. Seit 2014 richtet es jährlich einen ›Symphonic Mob‹ aus und brachte damit zuletzt mehr als 1000 Musikenthusiasten mit Musikerinnen und Musikern aus den eigenen Reihen
zu einem gemeinsamen Auftritt unter Kent Nagano zusammen. Innovative Impulse setzte das Orchester außerdem mit zwei internationalen Remix-Wettbewerben und dem Konzertprojekt ›Ostinato‹, das 2016 neue symphonische Formen an der Schnittstelle zwischen Orchestermusik und Live-Elektronik vorstellte.

Tourneen und Gastspiele
Im Rahmen zahlreicher Gastspiele ist das DSO dauerhaft im internationalen Musikleben präsent. Konzertreisen führten es nach Russland, Asien, Nord- und Südamerika sowie in den Libanon. In Kooperation mit der Deutschen Welle und dem Auswärtigen Amt gastierte das Orchester in den letzten Jahren in Brasilien und Argentinien, in Japan, China, Malaysia, Abu-Dhabi und in Osteuropa. Neben Auftritten bei nationalen und internationalen Festspielen wie dem Rheingau Musik Festival, dem Edinburgh International Festival, den Salzburger Festspielen, den BBC Proms und dem Beethovenfest Bonn ist das DSO regelmäßig in den großen Konzertsälen Europas zu erleben. In der aktuellen Saison stehen Gastspiele mit Robin Ticciati und Kent Nagano u. a. in der Alten Oper Frankfurt, der Hamburger Elbphilharmonie und in der Münchner Philharmonie auf dem Programm.

Mediale Präsenz
Die Symphoniekonzerte des DSO in der Berliner Philharmonie werden von Deutschlandfunk Kultur, von Deutschlandfunk und vom Kulturradio des rbb aufgezeichnet und in Deutschland sowie über die European Broadcasting Union auch europaweit und darüber hinaus gesendet. Für Liveübertragungen und spätere TV-Ausstrahlungen intensiviert sich seit 2013 eine Zusammenarbeit mit ARTE Concert und dem rbb-Fernsehen. Etliche Opernmitschnitte aus dem Festspielhaus Baden-Baden und von den Salzburger Festspielen sind als DVD bei Arthaus Musik erhältlich. Auch mit zahlreichen ausgezeichneten CD-Einspielungen ist das DSO weltweit präsent. 2011 erhielt es für die Erstaufnahme von Kaija Saariahos Oper ›L’amour de loin‹ unter Naganos Leitung den Grammy Award. In den vergangenen Jahren erschienen u. a. bei Sony Classical drei von der Fachpresse hochgelobte Einspielungen des Prokofjew-Zyklus mit Tugan Sokhiev. Mit Werken von Debussy und Fauré legen das DSO und Robin Ticciati
im September 2017 bei Linn Records ihre erste gemeinsame CD vor.

Geschichte
Der Blick zurück in die Geschichte des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin fördert gleich drei Namen ein und desselben Klangkörpers zutage. Gegründet wurde es als RIAS-Symphonie-Orchester vom Rundfunk im amerikanischen Sektor (RIAS). Musik des 20. Jahrhunderts bildete in der Programmgestaltung von  Anfang an eine feste Größe neben den Interpretationen des klassischen Repertoires, die sich durch Transparenz, strukturelle Prägnanz und Plastizität auszeichneten. Als sich 1956 der Sender Freies Berlin (heute Rundfunk Berlin-Brandenburg, rbb) an der Trägerschaft des Orchesters beteiligte, nannte es sich fortan Radio-Symphonie-Orchester Berlin (RSO). Seit 1993 führt es seinen heutigen Namen und gehört seit dem darauffolgenden Jahr zur Rundfunk Orchester und Chöre GmbH (roc berlin), die von Deutschlandradio (40 %), der Bundesrepublik Deutschland (35 %), dem Land Berlin (20 %) und dem Rundfunk Berlin-Brandenburg (5 %) getragen wird.