›Parallax‹ – präsentiert von DSO und ›Berlin Atonal‹

Robin Ticciati ist seit der Spielzeit 2017/2018 Chefdirigent und Künstlerischer Leiter des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin (DSO). Bereits im Sommer 2014 trat er sein Amt als Musikdirektor der Glyndebourne Festival Opera an. Von 2009 bis 2018 hatte er die Position als Chefdirigent des Scottish Chamber Orchestra (SCO) inne, von 2010 bis 2013 als Erster Gastdirigent der Bamberger Symphoniker.

Der junge Brite mit italienischen Wurzeln ist regelmäßiger Gastdirigent des London Philharmonic Orchestra, des London Symphony Orchestra, des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks, des Budapest Festival Orchestra und des Chamber Orchestra of Europe. Außerdem stand er am Pult der Wiener Philharmoniker, der Tschechischen Philharmonie, des Schwedischen Radio-Symphonie-Orchesters, des Royal Concertgebouw Orchestra, des Orchestre National de France, des Philadelphia Orchestra, des Cleveland Orchestra, des Gewandhausorchesters Leipzig und der Staatskapelle Dresden. 2023 gab er sein lang ersehntes Debüt bei den Berliner Philharmonikern.

Gastspiele führten Robin Ticciati mit dem SCO durch Europa und nach Asien. In der Spielzeit 2014/2015 leitete er eine Europatournee des Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam, im Herbst 2016 gab er mit dem London Philharmonic Orchestra und Anne-Sophie Mutter Konzerte in Berlin, München, Paris und Wien. Im Januar 2019 trat er mit dem Chamber Orchestra of Europe »in memoriam Claudio Abbado« in Berlin, Hamburg, Köln und Salzburg auf. In der Saison 2019/2020 führte ihn eine Asientournee mit dem DSO für eine Residenz nach Tokio und zu Konzerten in China, gefolgt von Gastspielen etwa im Concertgebouw Amsterdam und in der Hamburger Elbphilharmonie.

Als Musikdirektor der Glyndebourne Festival Opera leitete Robin Ticciati unter anderem Neuproduktionen von Debussys ›Pelléas et Mélisande‹, Strauss’ ›Der Rosenkavalier‹ und Mozarts ›La finta giardiniera‹, zudem Mozarts ›Entführung aus dem Serail‹, Dvořáks ›Rusalka‹, Ethel Smyth ›Les naufrageurs‹ als Uraufführung der Urfassung und einen Poulenc-Abend mit ›La voix humaine‹ und ›Les mamelles de Tirésias‹. Darüber hinaus dirigierte Robin Ticciati Brittens ›Peter Grimes‹ an der Mailänder Scala, Mozarts ›Le nozze di Figaro‹ bei den Salzburger Festspielen, Tschaikowskis ›Eugen Onegin‹ am Royal Opera House in London und an der Metropolitan Opera in New York, wo er auch bei Humperdincks ›Hänsel und Gretel‹ am Pult stand. Im Februar 2024 stand er für eine Neuproduktion von Dvořáks ›Rusalka‹ an der Berliner Staatsoper Unter den Linden erstmals am Pult der Staatskapelle.

Zahlreiche CD-Aufnahmen Robin Ticciatis erschienen bei Linn Records, u. a. mit dem SCO Symphonien von Haydn, zwei Berlioz-Alben und Gesamteinspielungen der Schumann- und Brahms-Symphonien sowie mit dem Swedish Radio Symphony Orchestra Berlioz’ ›L’enfance du Christ‹. Diese wurden von der Kritik allesamt begeistert aufgenommen und mehrfach ausgezeichnet. Ebenfalls bei Linn Records legten Robin Ticciati und das DSO vielbeachtete CDs mit Werken von Bruckner, Debussy, Duparc, Duruflé, Fauré, Rachmaninoff und Strauss vor. Ticciatis Diskografie umfasst zudem Dvořáks Symphonie Nr. 9, Bruckners f-Moll-Messe und eine Brahms-Einspielung mit den Bamberger Symphonikern und dem Chor des Bayerischen Rundfunks (Tudor) sowie Opern-Aufnahmen für Opus Arte.

Seit seinem Amtsantritt beim DSO stellte Robin Ticciati mit Repertoire von der Renaissance bis in die Gegenwart sowie mit ungewöhnlichen Präsentationsformen und Projekten immer wieder seine Vielseitigkeit, Experimentierfreude und Flexibilität unter Beweis. Während der Pandemie 2020/2021 realisierte er mit seinem Orchester eine Reihe aufwendiger Musikfilme, darunter Strauss’ ›Eine Alpensinfonie‹ als musikalisch-philosophische Bergtour mit Reinhold Messner, welche u. a. auf ›DG Stage‹, der digitalen Konzertbühne der Deutschen Grammophon präsentiert wurde. In der Saison 2023/2024 machten Ticciati und das DSO mit einer Initiative feministischer Musikpolitik unter dem Motto: »Kein Konzert ohne Komponistin!« auf sich aufmerksam. Noch bis Ende 2024 wird Robin Ticciati an der Spitze des Orchesters stehen.

Robin Ticciati wurde 1983 in London geboren und zunächst als Violinist, Pianist und Schlagzeuger ausgebildet. Er spielte im National Youth Orchestra of Great Britain, bis er sich im Alter von 15 Jahren dem Dirigieren zuwandte. Zu seinen Mentoren und Förderern gehören Sir Colin Davis und Sir Simon Rattle. 2014 wurde er von der Royal Academy of Music in London zum ›Sir Colin Davis Fellow of Conducting‹ ernannt und 2019 im Rahmen der Geburtstagsfeierlichkeiten der Queen für seine musikalischen Verdienste in den Order of the British Empire als ›Officer‹ (OBE) aufgenommen.

Stand: März 2024

Die Geigerin Alina Ibragimova wurde 1985 in Russland geboren und studierte am Gnesin Institut in Moskau. 1995 zog sie mit ihrer Familie nach Großbritannien, wo sie an der Yehudi Menuhin School und am Royal College of Music studierte. Darüber hinaus war sie Absolventin des Masters-Programms an der Kronberg Academy.

Seither konzertierte die Musikerin mit den US-amerikanischen Orchestern in Cleveland, Philadelphia und Seattle, mit allen BBC-Orchestern Großbritanniens sowie mit dem London Symphony und Philharmonia Orchestra, den Bamberger Symphonikern, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen, dem Orchestra of the Age of Enlightenment, dem Orchestre symphonique de Montréal und dem Scottish Chamber Orchestra u. a. unter der Leitung von Dirigenten wie Bernard Haitink, Yannick Nézet-Séguin, Philippe Herreweghe, Hannu Lintu und Tugan Sokhiev.

Zu den Höhepunkten der letzten Spielzeiten zählen Konzerte mit dem Royal Concertgebouw Orchestra, dem Mahler Chamber Orchestra, dem Chamber Orchestra of Europe, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und dem Tonhalle-Orchester Zürich; Dabei arbeitete sie u. a. mit Vladimir Jurowski, Sir John Elliot Gardner, Jakob Hrůša, Maxim Emelyanychev zusammen.

Beim DSO gastierte Ibragimova zuletzt im Dezember 2020, als sie unter der Leitung von Robin Ticciati einen Solo-Part in Schnittkes Erstem Concerto grosso übernahm.

Mit Solo-Konzerten war Alina Ibragimova an so namhaften Orten zu erleben wie dem Concertgebouw Amsterdam, dem Wiener Musikverein, der Carnegie Hall sowie bei Festivals in Salzburg, Verbier, Luzern und bei ›Mostly Mozart‹ in New York. Als Solistin und Leiterin ging sie mit der Kremerata Baltica, der Academy of Ancient Music und dem Australian Chamber Orchestra auf Tournee.

Die Diskografie der Künstlerin bei Hyperion Records reicht von Bach-Konzerten bis zu Prokofjew-Sonaten. Ihre Aufnahme der Violinkonzerte von Schostakowitsch aus dem Jahr 2020 wurde mit dem Gramophone Award ausgezeichnet, und ihre Einspielung der 24 Capricen von Paganini führte nach der Veröffentlichung 2021 die Charts der Klassik-Alben an.

Alina Ibragimova, die auch Gründungsmitglied des Chiaroscuro Quartets ist, erhielt zahlreiche Auszeichnungen, darunter den Royal Philharmonic Society Young Artist Award 2010 und den Borletti-Buitoni Trust Award 2008.

Sie spielt eine Anselmo Bellosio-Geige aus dem Jahr 1775.

Elsie Bedleem wurde 1977 in Noyon, Frankreich, geboren. Ihre Ausbildung als Harfenistin, sowohl solistisch als auch im Fach Kammermusik, schloss sie am Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris mit Auszeichnung ab. Ihre Professorinnen waren Marie-Claire Jamet und Isabelle Moretti. Mehrere internationale Preise bei großen Wettbewerben folgten: Erster Preis bei der 9. International Nippon Harp Competition, SACEM Preis beim Concours Lily Laskine. Überdies unterrichtete sie als Harfenlehrerin und sammelte Erfahrungen in zahlreichen französischen Orchestern, bevor sie im September 1999 Stipendiatin der Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker wurde und bei Marie-Pierre Langlamet Unterricht erhielt. Von 2004 bis 2005 war sie Studentin an der Hochschule für Musik ›Hanns Eisler‹ bei Maria Graf. Seit 2001 wirkt sie bei Klangkörpern wie den Berliner Philharmonikern, dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, der Staatskapelle Weimar, dem Mahler Chamber Orchestra und in verschiedenen kammermusikalischen und Neue-Musik-Ensembles mit, u. a. bei dem Musikfest Berlin und den Osterfestspielen Salzburg. Sie war von 2005 bis 2006 Solo-Harfenistin des Orchesters des Staatstheaters Braunschweig und ist seit August 2006 Solo-Harfenistin des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin.

Der Produzent und Musiker Moritz von Oswald ist einer der einflussreichsten Vertreter des Techno. 1962 in Hamburg geboren, studierte er klassisches Schlagwerk in seiner Heimatstadt und spielte nach dem Studium Schlagzeug in der NDW-Band ›Palais Schaumburg‹. Mit dem Gründer der Band Thomas Fehlmann entdeckte Moritz von Oswald Anfang der 1990er Jahre die elektronische Musik als schöpferisches Experimentierfeld und veröffentlichte unter den Projektnamen ›2MB‹, ›3MB‹ und ›Schizophrenia‹ gemeinsame Techno-Produktionen.

Seinen Ruf als Techno-Avantgardisten konnte der in Berlin lebende Klangkünstler in Zusammenarbeit mit dem Musiker und Produzenten Mark Ernestus untermauern, mit dem er 1992 das Label ›Maurizio‹ gründete. Dort erschienen Titel, die ›Maurizio‹ zu einem der wichtigsten Techno-Acts weltweit machten. Die stilistische Bandbreite reichte von House, über Dub und Techno bis hin zu abstrakt experimentellen Stücken. Das zumeist minimalistisch dubbige Sounddesign hatte maßgeblichen Einfluss auf die internationalen Techno-Produktionen. Seit Ende der 1990er Jahre arbeiten Ernestus und von Oswald unter dem Projektnamen ›Rhythm & Sound‹ zusammen.

Erfolgreich war auch das Remix-Album in der Reihe ›Recomposed‹ der Deutschen Grammophon aus dem Jahr 2008. Gemeinsam mit dem legendären US-amerikanischen Techno-Produzenten Carl Craig bearbeitete Moritz von Oswald Originalaufnahmen der Berliner Philharmoniker unter Herbert von Karajan mit Ravels ›Boléro‹.

Neben seinen eigenen Produktionen und der Arbeit als Labelmanager ist Moritz von Oswald ein gefragter Toningenieur bei Dubplates & Mastering in Berlin. Mit dem nach ihm benannten Trio betreibt Moritz von Oswald Klangforschung und experimentiert mit elektronischer und akustischer Klangerzeugung.

Der Musiker und Komponist Valerio Tricoli wurde 1977 in Palermo, Italien geboren und widmet sich mit besonderer Leidenschaft der elektronischen Musik. Seit Mitte der 2000-er Jahre beschäftigt er sich bei seinen Live-Performances intensiv mit dem Revox B77 reel-to-reel Tape-Recorder, der als komplett analoges und ergonomisches Gerät für Live-Sampling und Echtzeit-Transformation, Bearbeitung und Mischen von voraufgezeichneten Studioaufnahmen und Klangquellen – etwa Sprech- oder Singstimmen ¬– produziert wird. Kleine akustische und elektronische Instrumente, ungewöhnliche Objekte oder auch der Konzertort selbst dienen Tricoli dabei als Arbeitswerkzeug und Inspiration.

Auf einer formalen Ebene konzentrieren sich seine Werke auf das improvisierte Schaffen einer Erzählung, die die vielfältigen Beziehungen zwischen Realität, Virtualität und Gedächtnis während des akustischen Ereignisses berücksichtigt. Dabei stützt er sich auf die Annahme, dass sich Töne und Soundeffekte immer zwischen dem ›Hier-und-Jetzt‹ des Konzerts und einem undurchsichtigen Gedächtnisbereich bewegen – weit entfernt, aber gleichzeitig wie in einem Déjà-vu präsent. Für Tricoli haben Brüche in der Musik weit mehr Bedeutung als ihre Kontinuität. Besonders durch die totale Ausschöpfung dynamischer Reichweiten, die er oft von einem Gefühl der stillen Intimität und Nähe bis hin zu extremen Klangexplosionen auslotet, erzeugt er einen fühlbaren Moment des Gegensatzes aus nachdenklicher Spannung.

Seine elektroakustischen Studioaufnahmen orientieren sich an Traditionen der ›Musique concrète‹, bei der mit aufgezeichneten und auf Tonträgern gespeicherten Klängen gearbeitet wird, und erforschen Themen des »Inneren« und Verborgenen – sowohl psychologisch als auch physisch. Die Kombination mit gesprochenen Texten machen seine Kompositionen zu existentiellen Werken, einem Erforschen des Selbst mit seinen psychologischen, emotionalen sowie irrationalen Abgründen. Valerio Tricoli hat bereits mit zahlreichen Musikern, Komponisten, Choreografen und Multimediakünstlern wie Thomas Ankersmit, Antoine Chessex, Werner Dafeldecker und Anthony Pateras zusammengearbeitet. Er ist Gründungsmitglied der italienischen Avant-Rock-Gruppe ›3/4HadBeenEliminated‹.

Die Künstlerin Sophie Schnell feiert seit einiger Zeit unter dem Künstlernamen PYUR sensationelle Erfolge in der Elektronik-Szene. Bereits als junges Mädchen begeisterte sie sich für Musik, lernte Gitarre spielen und singen, bevor sie sich im Alter von 12 Jahren mit einem digitalen Boss BR-1200 und später einem Logic-Rekorder der Elektronik zuwandte. Von da an verlagerte sich ihr Interesse mehr und mehr auf das elektronische Genre, wobei sie auch ihre Liebe zu einigen Elementen der Pop- und der klassischen Musik bis heute nicht verloren hat. Trotz ihres Alters von gerade mal 25 Jahren hat PYUR ihre eigene Stimme sowohl im visuellen als auch im klanglichen Bereich gefunden und einen spannenden und neuen Maßstab für zeitgenössische Elektronik und digitale Kunst geformt. Ihre Musik bewegt sich spielerisch zwischen vermeintlich unvereinbaren Qualitäten: Momente der Brutalität verwandeln sich in etwas Zartes, das neue Leben umschließt die Zersetzung, während explosive rhythmische und melodische Strukturen mit sanften und subtilen Rythmen kombiniert werden.

PYURs synergistische und audiovisuelle Aufnahme ›Epoch Sinus‹ ist im Oktober 2016 beim Label Scuba's imprint Hotflush Recordings erschienen und präsentiert das Multitalent von einer tiefen und persönlichen Seite. Über ihr Album sagt PYUR: »Die Musik zeigte mir in dem verführerischen Zwischenraum des Nichts und des Daseins, dass man ermächtigt und in der Lage ist, energetische Verbindungen vollständig zu verstehen und außergewöhnliche Transformationen durch alle Widersprüche und Ebenen des Selbst zu initiieren. Besonders in der heutigen Zeit trägt Musik auch das enorme Potential und die Verantwortung, eine transformative Einheit zu werden, die Wahrhaftigkeit und Unterstützung bietet.« Momentan arbeitet die Musikerin an einer Doppel-LP mit dem Titel ›Oratorio For The Underworld‹, die im Rahmen des Festivals ›Berlin Atonal‹ 2017 vorgestellt wird.

Paul Jebanasam wurde in Sri Lanka geboren und lebt heute in Großbritannien. Der Musiker und Komponist widmet sich besonders leidenschaftlich der experimentellen und elektronischen Musik in all ihren Facetten. Dabei reichen seine Arbeiten von Werken zeitgenössischer klassischer Musik bis hin zu Klängen der Sound- und Software-Ästhetik.

Seit 1946 strahlt das DSO über die Grenzen Deutschlands hinaus in die Welt. Namhafte Chefdirigenten prägten seine Geschichte: Ferenc Fricsay, Lorin Maazel, Riccardo Chailly, Vladimir Ashkenazy, Kent Nagano, Ingo Metzmacher und Tugan Sokhiev standen an seiner Spitze. Die langjährige Verbundenheit mit hochkarätigen Gastdirigenten wie Herbert Blomstedt, Christoph Eschenbach, Ton Koopman, Sir Roger Norrington, Sakari Oramo, Leonard Slatkin oder David Zinman trägt ebenso wie die regelmäßige Zusammenarbeit mit seinem heutigen Ehrendirigenten Kent Nagano und den ehemaligen Chefdirigenten zum Renommee des Orchesters bei.

Aufbruch
Ein neues Kapitel in der Geschichte des DSO wird am 26. September 2017 aufgeschlagen: Robin Ticciati dirigiert sein Antrittskonzert als Künstlerischer Leiter. In der Berliner Philharmonie präsentiert sich der neue Chefdirigent in seinen Konzerten der Saison 2017 | 2018 mit einem weiten musikalischen Horizont von der Renaissance bis zur Gegenwart, von der Kammermusik bis zum szenisch eingerichteten Oratorium → S. 30 f. Bereits vor seinem offiziellem Amtsantritt macht der 34-jährige Engländer mit der Leitung eines ›Symphonic Mob‹ seinen Anspruch deutlich, alle Menschen zur Teilhabe am musikalischen Geschehen der reichen Berliner Kulturlandschaft einzuladen. Vor diesem
Hintergrund begibt er sich mit dem Orchester kurz darauf auch ins ›Kraftwerk Berlin‹, um eine Synthese mit der Elektronikszene einzugehen und neue Klangräume zu erkunden.

Am Puls der Zeit
Als »orchestralen Think Tank« hat die Süddeutsche Zeitung einst das DSO unter den hauptstädtischen Klangkörpern hervorgehoben, womit auf die beziehungsreiche Dramaturgie der Konzertprogramme, den Einsatz für die Musik der Gegenwart sowie auf stetige Repertoireentdeckungen angespielt wurde – und auf den Mut zu ungewöhnlichen Musikvermittlungsformen, der das Orchester bis heute auszeichnet. So holt das DSO durch das Konzertformat der moderierten Casual Concerts mit anschließender Lounge seit mittlerweile elf Jahren die Kunst näher an den Puls des modernen Lebens. Seit 2014 richtet es jährlich einen ›Symphonic Mob‹ aus und brachte damit zuletzt mehr als 1000 Musikenthusiasten mit Musikerinnen und Musikern aus den eigenen Reihen
zu einem gemeinsamen Auftritt unter Kent Nagano zusammen. Innovative Impulse setzte das Orchester außerdem mit zwei internationalen Remix-Wettbewerben und dem Konzertprojekt ›Ostinato‹, das 2016 neue symphonische Formen an der Schnittstelle zwischen Orchestermusik und Live-Elektronik vorstellte.

Tourneen und Gastspiele
Im Rahmen zahlreicher Gastspiele ist das DSO dauerhaft im internationalen Musikleben präsent. Konzertreisen führten es nach Russland, Asien, Nord- und Südamerika sowie in den Libanon. In Kooperation mit der Deutschen Welle und dem Auswärtigen Amt gastierte das Orchester in den letzten Jahren in Brasilien und Argentinien, in Japan, China, Malaysia, Abu-Dhabi und in Osteuropa. Neben Auftritten bei nationalen und internationalen Festspielen wie dem Rheingau Musik Festival, dem Edinburgh International Festival, den Salzburger Festspielen, den BBC Proms und dem Beethovenfest Bonn ist das DSO regelmäßig in den großen Konzertsälen Europas zu erleben. In der aktuellen Saison stehen Gastspiele mit Robin Ticciati und Kent Nagano u. a. in der Alten Oper Frankfurt, der Hamburger Elbphilharmonie und in der Münchner Philharmonie auf dem Programm.

Mediale Präsenz
Die Symphoniekonzerte des DSO in der Berliner Philharmonie werden von Deutschlandfunk Kultur, von Deutschlandfunk und vom Kulturradio des rbb aufgezeichnet und in Deutschland sowie über die European Broadcasting Union auch europaweit und darüber hinaus gesendet. Für Liveübertragungen und spätere TV-Ausstrahlungen intensiviert sich seit 2013 eine Zusammenarbeit mit ARTE Concert und dem rbb-Fernsehen. Etliche Opernmitschnitte aus dem Festspielhaus Baden-Baden und von den Salzburger Festspielen sind als DVD bei Arthaus Musik erhältlich. Auch mit zahlreichen ausgezeichneten CD-Einspielungen ist das DSO weltweit präsent. 2011 erhielt es für die Erstaufnahme von Kaija Saariahos Oper ›L’amour de loin‹ unter Naganos Leitung den Grammy Award. In den vergangenen Jahren erschienen u. a. bei Sony Classical drei von der Fachpresse hochgelobte Einspielungen des Prokofjew-Zyklus mit Tugan Sokhiev. Mit Werken von Debussy und Fauré legen das DSO und Robin Ticciati
im September 2017 bei Linn Records ihre erste gemeinsame CD vor.

Geschichte
Der Blick zurück in die Geschichte des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin fördert gleich drei Namen ein und desselben Klangkörpers zutage. Gegründet wurde es als RIAS-Symphonie-Orchester vom Rundfunk im amerikanischen Sektor (RIAS). Musik des 20. Jahrhunderts bildete in der Programmgestaltung von  Anfang an eine feste Größe neben den Interpretationen des klassischen Repertoires, die sich durch Transparenz, strukturelle Prägnanz und Plastizität auszeichneten. Als sich 1956 der Sender Freies Berlin (heute Rundfunk Berlin-Brandenburg, rbb) an der Trägerschaft des Orchesters beteiligte, nannte es sich fortan Radio-Symphonie-Orchester Berlin (RSO). Seit 1993 führt es seinen heutigen Namen und gehört seit dem darauffolgenden Jahr zur Rundfunk Orchester und Chöre GmbH (roc berlin), die von Deutschlandradio (40 %), der Bundesrepublik Deutschland (35 %), dem Land Berlin (20 %) und dem Rundfunk Berlin-Brandenburg (5 %) getragen wird.